De King Crimson hay una cantidad bárbara de cosas que decir, y tal vez haya aún mas consideraciones que hacer al respecto.

  King Crimson es, me parece, la banda de Rock Progresivo neto, de mayor presencia en la mente de todos los fanáticos del género. Ha tenido tal peso específico que se ha convertido en una banda cuya mención y referencia es ya de carácter genérica y obligatoria. Y es precisamente ese detalle lo que ha magnificado el efecto Crimson. A tal grado ya, que no solamente se han creado dogmas muy concentrados a su alrededor, sino que también se ha perdido de alguna manera la capacidad de juicio por parte del escucha progresivo, respecto a la música en sí de esta banda.

  A King Crimson se le atribuye por descontado la creación, o al menos, la pauta del Rock progresivo. Eso no es un dogma, porque yo también lo pienso así. Jaja. Y este no deja de ser el espacio de la verdad absoluta.

  Ya en serio. King Crimson con su primer álbum de 1969 “In the court of the crimson king” marcó de manera “oficial” el inicio del rock progresivo. Término que después de 35 años no se termina por definir de manera convincente, pero en fín. Dicho logro le bastó para posicionarse como una banda de proporciones mayúsculas, cuya música y calidad, regularmente no se cuestionaba. O simplemente se daba por excelsa y punta de lanza del género.

  No soy ninguna autoridad de opinión, sin embargo si diré lo siguiente; King Crimson es entre las bandas de mayor influencia, peso e importancia, la mas sobrevaluada. Efectivamente “21st Century schizoid man” fue un parte aguas dentro del escenario del Rock en su momento. Sigue siendo y será indefinidamente una pieza fantástica y digna de elogios. Sin embargo la opinión generalizada ha perdido la debida proporción de la calidad y del trabajo en general de esta banda, en gran parte por esa singular canción.

  King Crimson tiene muchas virtudes. La mayor tal vez sea su desempeño técnico-instrumental. También es digno de elogios ese estilo tan particular que han mantenido por décadas completas. Algo que no se puede ignorar es que la música de esta banda es casi inconfundible. Ahora bien, el aspecto instrumental es innegable, sin embargo esa segunda virtud relativa a la autenticidad es cuestionable. Si bien el tener y mantener una personalidad única es una cualidad fundamental, por otro lado también denota algunos defectos mayúsculos; La falta de innovación, falta de re-invención y falta de creatividad.

  Algo que no parece notar el público en general, y que inclusive parece querer ignorar, es la abrumadora inconsistencia en la obra de esta banda. Dicha declaración parece desafortunada e irracional. En la mente de todos los fans del género, King Crimson es una banda libre de todo pecado musical, inmaculado, genial y a prueba de toda falla. Parece ser además el prototipo y mejor manifestación de toda música progresiva. Hasta dónde esto sea una realidad o ficción, no lo sé. Pero lo que no me deja de parecer evidente es la irregularidad en la calidad de cada álbum de esta banda. Y no me refiero a sus obras recientes, sino a aquellas consagradas por miles de críticas escritas desde hace 35 años.

   Existe otro detalle alarmante respecto a King Crimson. Su música da la impresión de ser lo mas impersonal dentro del Rock. Al respecto, habrá algunos cientos o miles de personas en el mundo que opinen que la música de Crimson no es para “agradar al espíritu, ni alegrar el corazón, ni para estimular emociones”. O como alguna vez dijo su lider Robert Fripp: “Esta música no es para gustar”. Y saben una cosa?, creo que no podía haber descrito su música de mejor manera. Tal vez K. Crimson llevó el término de “inaccesibilidad” al extremo. Es innegable que su música pueda gustar, y efectivamente llega a lograrlo en diversas ocasiones con la maestría de sus ejecuciones, con sus tonos agresivos o con sus sonidos tan peculiares. Pero algo de lo que siempre adoleció esta banda fue de falta de emotividad, o feeling para mejor término. Reitero que en una proporción muy amplia de su discografía, su música suena impersonal e inanimada. Suena casi mecánica y sin espíritu. Su música puede llegar a ser fascinante pero por mera cuestión instrumental o conceptual. Sin embargo difícilmente logra ser cautivadora o conmovedora. Difícilmente llega a tocar tu corazón. Y señores, lo nieguen o no, ese aspecto es fundamental en cualquier pieza de música.

  No me refiero a que su música necesite ser de tonos mas conciliadores y menos agresivos. De hecho, una proporción muy grande dentro de la discografía de Crimson es de tono ligero, casi al nivel de la balada.

No negaré que hay una serie de canciones que me fascinan no sólo por su instrumentación, sino también por la pasión con que se tocaron. “Prelude-song of gulls” es una melodía clásica llena de emoción, y logra cautivar al máximo sin una sola nota de la guitarra de Fripp. “One time”, mas reciente, es otra con las mismas cualidades. “21st Century” no puede negar su convicción y la enorme pasión que vertió cada músico en ella. En fín, existen varias que ya revisaré. Pero en general su música no es del todo memorable.

 Regularmente cualquier crítico empezaría un texto relativo a King Crimson con una línea donde las palabras “Creatividad” e “ingenio”, serían los pilares. Yo considero que la falta de estas cualidades es precisamente el mayor de los males de la banda. El aspecto en el que se hace mas evidente es en la composición. Dentro de sus canciones no es nada insólito encontrarse con la monotonía, la reiteración o la simple falta de dirección.

  Ciertamente la declaración previa es un tanto aventurada y cuestionable. Una banda de estas proporciones no puede ser considerada poco creativa. Digamos que dentro de los parámetros de creatividad en la composición entre las bandas de excelencia del Rock progresivo, Crimson se dolía de una pierna.

  “Time and a word” es el segundo álbum de Yes, de 1970. Una vez que lo escuchen serán testigos de la importante influencia de la música clásica sobre Yes. O mas bien, de los arreglos con grandes orquestas. Sin duda es un toque interesante, aunque en ocasiones llega a parecer excesivo. Probablemente YES mal interpretó la tendencia que estaba tomando el rock de vanguardia y tomó de manera literal el concepto de integrar rock con música clásica. Insisto, nunca suena mal la orquesta, sin embargo si suena en un tono que no corresponde al progresivo. Orquestas con ese tono son frecuentes en grabaciones para baladistas de aquellos tiempos, por mencionar un ejemplo. Tampoco son la base del sonido del álbum pero si aparecen a lo largo del álbum con frecuencia.

  Haciéndole justicia a YES, en este álbum logran una interesante mezcla de canciones muy bien instrumentadas y concretadas. En relación a la calidad en la composición, Yes logra aquí la cima de su carrera. La mezcla de las canciones de este álbum denota ingenio, creatividad y diversidad de manera individual y colectiva.

   “No opportunity necessary, no experience needed” es la primera canción, está plagada de orquesta que la verdad funciona muy bien. El ritmo durante toda la canción es ágil y el coro principal es una genialidad al mas puro estilo y nivel Beatle, por el atractivo y consistencia adhesiva (O sea, que es super pegajoso). El instrumental que inicia en el minuto 2:26 está lleno de recursos orquestales y logran interrelacionar ambos conceptos, el rock con la orquesta con toda solvencia. De tal manera que nunca se pierde “el momento”, o feeling para mejor referencia.

  “Then” es una canción ágil y agradable al igual que la primera. Hace uso de muchos recursos orquestales y al inicio quizá ese detalle sea demasiado para mi gusto. Dándole un tono muy similar a aquel clásico setentero de artistas pop baladistas cuando querían interpretar ritmos mas movidos y alegres. Sin embargo, y a partir del minuto 2:30 integran orquesta y elementos de rock complejo de una manera muy atractiva. Percibo una instrumentación muy interesante donde destaca el bajo de Squire, como casi siempre. En el minuto 4:00 la canción se muere, casi dos minutos antes del final, pero no importa realmente. Lo que hacía falta escuchar ya sucedió.

“Everydays” comienza con un tono sencillo, suave, casi infantil y simplista. Agradable a fin de cuentas. De continuar así sería en este disco apenas un buen detalle. Sin embargo después de los dos minutos comienza uno de los mejores instrumentales en este álbum. Está integrado por una buena dosis de orquesta y rock. Con las mejores cualidades del bajo de Squire (Si era Squire verdad?), una batería ingeniosa y una guitarra viva y ágil. Aunque sinceramente preferiría no escuchar los sonidos orquestales, definitivamente son integrados aquí en una medida exacta y congruente. Algo que me gusta en la música y que este instrumental tiene, son esas acentuaciones musicales y emocionales. No son cambios de ritmo ni un simple aumento de intensidad, sino esos estirones de pasión y vigor. En otras palabras, energía implícita. Esta canción es un diez.

“Sweet dreams” es una canción ligera con coros por parte de Anderson pegajosos y agradables que te mantienen interesado en todo instante. Algo de lo que carecerían sólo 4 años adelante con Relayer. El bajo a todo lo largo de esta canción es fascinante e ingenioso. Esta canción además está compuesta con una estructura inteligente que en nada afecta su calidad de Rock Pop. Y miren qué curioso. Esta es una canción Pop y ese hecho no es relevante en lo absoluto, es una canción con arreglos perfectos, gustable al mas puro estilo Beatles. Es una canción bien hecha, llena de calidad. Sinceramente, alguien preferiría “Sound chaser” del mismo Yes, en vez de esto?.

“The prophet” es la siguiente canción. A pesar de que tiene agradables coros vocales y la instrumentación no desmerece en nada, me da la impresión de que le falta cohesión una vez observada de manera global. En reiteradas ocasiones parece perder dirección. O parece que hubieran tenido esa buena idea con los coros y armonías vocales pero quisieron ambicionar a una canción mas compleja de lo que debería ser. El arranque es curioso pero no es congruente con el resto de la canción y termina pareciendo mas un capricho que otra cosa. En su afán de extender esta canción terminan por “chotear” los mismos coros que en un inicio sonaban agradables. Creo que es un punto bajo en el álbum. Bajo para el estándar que venía mostrando. Y reitero, la instrumentación es excelente, pero la estructura en sí es un tanto inconsistente. Probablemente si las melodías vocales no fueran de esa naturaleza tan pegajosa, ese detalle no sería un factor. Pero Yes en esta ocasión quiso más de lo que podía manejar.

“Clear days” es una breve y bella melodía fondeada con violines, otras cuerdas y un piano. La melodía vocal de Anderson es fascinante y en general la canción es muy conmovedora. No al nivel de “Harlequín” de “Nursery crime”, la cual goza de bastante mas estructura y creatividad. Pero es definitivamente un punto destacable en el plano emocional y armónico en la discografía de Yes. De hecho creo que en los primeros dos álbumes se acabaron casi todas sus ideas creativas y armónicas, dejando poco para “Close to the edge” y prácticamente un suspiro para “Relayer”.

Tal vez corra el riesgo de ser pretencioso haciendo tanto énfasis en mi concepto de “la energía implícita”. En el fondo es sólo una idea que en mi cabeza representa una serie de cualidades y características en la música, o en lo que creo es música bien hecha. Esto lo menciono porque si hubo algunas canciones que escuchaba mucho cuando empecé a pensar en ese concepto, fueron precisamente “Astral traveller”, “I see you” y “Every little thing”. No porque sólo Yes contenga esa cualidad, simplemente sucedió que la energía implícita en esas canciones, y en sus primeros 2 álbumes en general, es abundante. Y que en esos meses los escuchaba mucho. Qué mas da?. ...Lo que quiero enfatizar antes de comenzar con “Astral traveller”, es que esta canción es tal vez el pináculo de toda su música. Y no entiendo de verdad por qué tanta gente la pasa por alto. Incluyendo a John McFeerin, un fanático de Yes cuya página de críticas respeto mucho. 

Cómo describir “Astral traveller”?. Qué tal: “Una canción fresca, natural, auténtica, pasional, libre, ingeniosa, inspirada y colorida que puede arrebatarme el aliento de emoción con esas acentuaciones musicales, llenas de ricas, creativas y originales texturas y matices. Llena de entrega, espíritu y energía implícita”?. Me falto algún calificativo positivo?.

La última canción lleva el mismo título que el álbum. A diferencia de varias canciones en el álbum, esta tiene un arreglo y estructura mas sencilla. La instrumentación sigue siendo contundente y llena de convicción. Está llena de vocales muy llamativas y aquí no cometen el mismo error de estirar la canción innecesariamente como en “The prophet”. Un excelente final.

    Hoy escribiré sobre Foxtrot, el cuarto álbum de Genesis. Su primera canción se llama “Watcher of the skies”. Las primeras frases cantadas por Gabriel en esta canción, son junto con el cierre de “Musical box”, y el inicio de “Dancing with the moonlit knight”, lo mas representativo del Genesis de la primera generación. Curiosamente, fue lo primero que escuché de ese Genesis una vez que me hice de “Genesis live” del ´73. Quizá haga de la palabra “bizarro” una muletilla, pero “Watcher of the skies” es de nueva cuenta una canción que no tiene precedentes.

    Algo que aprecio mucho de esta banda es que su sonido, formas y estilo siempre me han parecido sinceros y auténticos. En cada canción y desde su primer álbum se nota esa cualidad que los distingue del resto. Una vez escuchado “Tresspass”, “Nursery”, “Foxtrot” y “Selling England by the pound” no cabe la menor duda de que Genesis no se parece a nada. Visto desde una perspectiva mas amplia, y considerando los diferentes estilos y sonidos de los demás Progresivos es evidente la capacidad de creación de Genesis. Para resumirlo en una palabra, Genesis siempre fue y se sintió mas auténtico. Su estilo siempre se notó natural y poco forzado. Sus sonidos parecen siempre surgir de manera fluida y expresada desde el interior. En contraste, escuchen por ejemplo “Cirkus” de Crimson. Dónde está la pasión?, necesitaron de 20 minutos para desarrollar un sentido?. O escuchen cualquier cosa de “Tales from topographic oceans” de Yes, que parecen no ser capaces de expresar un solo minuto con confianza y convicción en sus 80 minutos de todo el álbum doble.

   “Watcher of the skies” a pesar de ser una canción tan extraña y poco accesible, resulta al mismo tiempo no menos que interesante. Antes de escuchar esta canción por primera vez a los 16 años, escuchaba Genesis del ´76. También escuchaba todo lo popular del momento, y hasta a Michael Bolton. Deben imaginarse que aún con Genesis del ´76 no tenía referencia ni parámetro alguno para esos dos primeros minutos de melotrón de “Watcher”. Después del melotrón sigue un desarrollo guiado principalmente por un bajo y una batería muy poco usual para cualquier género. La cadencia de la canción, los matices y el flujo de emociones es intermitente y te puede mantener entretenido durante todo lo largo. La variedad de espacios en esta canción es considerable y Gabriel no hace mas que continuar consolidándose como el padre de todos los vocalistas, en el plano interpretativo de la música popular. En el minuto 6:30 aparece un breve instrumental de una manufactura, una energía, intención  y textura como aquello que cuando una banda logra, se congracia con mis oídos. Últimamente lo logró Banco del Mutuo Soccorso, Metamorfosi, Rush, Locanda Delle Fate, Premiatta. Puro grande. También lo logró Zepellin hace mucho con tres canciones de toda su discografía; “Kashmir”, “Stairway” y “No quarter” (para hacerle justicia).

   “Time table” es una canción de la categoría de “Harlequin” y “Harold the barrel”. O sea, de menor perfil. Sin embargo no deja de ser buena. Es una canción de 4:42 minutos de tonos accesibles, con buena estructura e instrumentación sencilla pero atractiva. No es tan original ni tan llamativa como las mencionadas pero no desmerece en nada su presencia en este álbum.

   “Get ´em out by Friday” es una de las cartas fuertes en este álbum. Sinceramente siento que no tiene la misma calidad que las otras clásicas. Entre otras cosas, no cuenta con un instrumental intermedio o final claro. También carece un poco de esa intensidad de la que goza “The musical box” y “The return of..”. Pero algo si tiene, y es un despliegue de tonos teatrales que dudo mucho se hayan superado en la historia de la música popular. Peter Gabriel narra una situación muy peculiar (como casi todas en los primeros álbumes de Genesis), donde unos aliens vienen a evacuar a los habitantes de una ciudad ....Es irrelevante. Lo interesante del asunto es la manera en que Genesis logra con suma efectividad transmitir imágenes y emociones al respecto. Peter Gabriel interpreta una vasta cantidad de personajes, tonos y emociones en esta canción. Si la interpretación de Gabriel es abundante en ideas y texturas, sucede lo mismo con la música, que nunca, al igual que en casi cualquier canción de Genesis (Entre el ´70 y ´78), sirve sólo como complemento de la voz. La música muestra individualidad y una historia propia. Congruente con la voz, claro.

   “Can-utility and the coastliners” es la cuarta canción del álbum. Parece a primera vista desmerecedora de un lugar entre las clásicas de Genesis. Y la verdad es que muchos pasábamos o seguimos pasando por alto esta canción. La realidad es que tal como es, es una canción llena de imaginación, ideas musicales y creatividad, energía implícita, compromiso y pasión. No al nivel de “The musical box”, pero para ser un track de “bajo perfil” resulta ser una grata sorpresa. Comienza con una agradable tonada fondeada con las guitarras ambientalistas clásicas de Genesis, después del minuto se integra el resto de los instrumentos, y casi sin justificación en el minuto 1:45 comienza un instrumental generoso en texturas, matices y convicción. No es ninguna maravilla en el plano técnico, es inclusive un poco simple pero algo si deja muy claro Genesis en estos breves minutos de música, es que cuando se trata de energía implícita, no hay quien los supere. Los tonos y el feeling que se presentan en el 3:22 son precisamente el tipo de detalles por los que esta banda difícilmente tiene rivales, al menos en mi cabeza. Esta canción, para no ser ni “Watcher of the skies”, ni “Supper´s ready” es una maravilla, y resulta un privilegio verla en la lista de Foxtrot. Es el clásico caballo negro del torneo.

   La siguiente es “Horizon´s”. Es una breve composición de 1:38 minutos de guitarra clásica. Agradable, nada que no se le haya escuchado a Hacket hasta el momento. No mas.

   “Supper´s ready” es la única canción de Genesis que rebasa los 13 minutos. Dura de hecho casi 23. Para entonces cada banda importante había escrito al menos una de tal magnitud. EL&P con el sorprendente, fascinante y magistral “Tarkus”. Yes con “Close to the edge”. Floyd con “Atom”, y “Echoes”, Tull con esa obra maestra de “Thick as a brick”. Van Der Graaf con alguna que no tengo en mente. Curiosamente Gentle Giant nunca lo hizo. Crimson con “Cirkus”

   Sin duda hay momentos brillantes en cada una de las composiciones mencionadas. De hecho no me vienen a la mente mas ya que estas las considero las mas representativas. Me gustaría hacer comparaciones pero no quiero terminar desprestigiando alguna. Pero si es importante decir que “Supper´s ready” no desperdicia un solo segundo en toda su extensión. Nunca hay un intermedio sin música, o sin inspiración, creatividad, o simplemente chatarra “hacedor de minutos” como las representantes de Floyd y la de Crimson. Tampoco hay un solo coro vocal repetitivo al estilo mas claro del pop comercial como “Close to the edge”. Nunca se torna aburrida como aquella de Van Der Graaf . ... En una canción tan larga donde no se reiteran melodías es difícil no perder dirección o no permitir que la canción parezca en realidad varias canciones unidas en una. A “Supper´s ready” le sucede un poco de lo último, sin embargo logra ser aún mas consistente en este sentido que inclusive “Tarkus” y “Thick as a brick”. Aunque Thick as a brick en sus primeros 20 minutos es simplemente perfecta. Tomada como una canción de 40 y tantos minutos como lo que es, si resulta un tanto inconsistente. No puedo decir que en resumen “Supper´s ready” sea la mejor de todas. Pero si puedo decir que es entretenida de principio a fin, que está repleta de originalidad e ideas, rica en matices y texturas. La generación de imágenes y ambientes en esta canción es de una diversidad sorprendente, siempre bien sostenida y con una convicción que sólo a Genesis le conozco. “Close to the edge” está formado de 4 secciones, incluyendo el inicio que nada tiene que ver con la canción en sí. 2 de las 3 restantes son casi idénticas y se sostienen de un coro pegajoso pop. No es que eso lo haga mala. Pero estamos hablando de la crema y nata del progresivo no?. La otra sección que resta dura 6.45 minutos y es casi un vacío musical donde usan otro coro repetitivo con “I get up I get down” (Nada que ver con la abundante y rica expresión lírica de “Supper´s”). Hago una comparación con “Close to the edge” porque el álbum “Close to the edge” se ha mantenido en el primer lugar de la lista de favoritos, gracias a la opinión de 249 personas en progarchives, la biblia del prog. La canción en cuestión está considerada el pináculo del progresivo en su mejor expresión y momento. Dogma o no, así se le considera. Y no se si le gusta a tanta gente porque aún dentro de los fans del prog el aspecto de la “melocidad” y lo pegajoso termina siendo lo mas importante o porque de verdad creen que es lo mejor que hayan escuchado. Creo que al final en este párrafo si terminé desprestigiando a mas de una canción épica. Es mi estilo me imagino.

   Bueno, regresando a Supper´s ready. Si “Close to the edge” está formada de 4 temas, “Supper´s”, independientemente de los subnombres que tienen sus temas, yo aprecio al menos 6. Ninguno es igual a otro, ninguno carece de sentido o música ingeniosa y todas y cada una denotan empeño y gracia. Y algo mas importante aún, y que Genesis no logra solamente en esta canción, es la evidente sinceridad y naturalidad (creo que ya lo había mencionado verdad?) con que expresan su música. A diferencia de “Tarkus” y “Close to the edge”, “Supper´s” suena lleno de alma y personalidad, no mecánico e impersonal como las mencionadas atrás. Genesis te involucra, te compromete y te introduce en su mundo, ficticio o no. Y te hace sentir en carne propia todas las emociones pretendidas. Ahora, no me malinterpreten, siempre habrá algo de cada estilo que me guste. De “Tarkus” adoro esa limpieza técnica y riqueza de notas que la componen. Una vez asimilado su estilo frío y plástico se torna en una experiencia de rock progresivo puro y en bruto. “Close to the edge” tiene una intensidad en sus notas, como en ese contundente bajo y batería que te mantienen con los ojos abiertos a todo lo largo de su extensión (salvo en el intermedio sin música).

   “Supper´s ready” a pesar de tener 6 temas diferentes, las transiciones entre uno y otro se realizan de manera natural, sin lesión ni esfuerzo. En este sentido por ejemplo, “Tarkus” no lo logra (sin dejar de ser fascinante). Genesis aquí muestra diversos estados de ánimo desde la tranquilidad y paz, pasando hasta por el humor y terminando en un ambiente misterioso y oscuro con “Apocalypse in 9/8”. He tratado hasta el momento desde que inicié esta pagina, de no usar palabras expresivas que denoten mero entusiasmo o que sean plenamente viscerales. Me lo permito cada que digo “Fascinante”. En esta ocasión me permitiré otra, y es la palabra “fabulosa”. O suena cursi?, qué tal “fantástica”?....estremecedora?. ....Qué mas da?, ésta sección es para mí todo eso y mas ¡¡¡.

   Recomiendo escuchen “Supper´s ready” en su versión original de Foxtrot por la interpretación de Gabriel. Si “Get ´em out by Friday” parecía un alarde de cualidades interpretativas, en “Supper´s” pone toda la carne al asador, además de que dura casi tres veces mas. Sin embargo esta sección de “Apocalyse in 9/8” la deben oír en su versión en vivo de “Seconds out” donde no tocan mas notas, pero las tocan con mucha mas energía y pasión. Siendo una sección instrumental en su parte mas valiosa ese detalle es determinante. En minutos de la versión en vivo, la sección en cuestión comienza en el minuto 14:58. Inicia con un ligero juego entre flauta y guitarra cautivadora que nunca deja ver el tormentosos final que le espera. Justo en el 15:56 se empieza a precipitar con sentidos cantos y un fondo creado con la batería, bajo, órgano y guitarra que mas adelante se vuelven el cuerpo y base de la melodía. Como dice el nombre, esta sección está compuesta en 9/8. Mi buen amigo Juan Carlos me explicó que se trata de un 4/4 mas un breve tiempo al final, o eso entendí. O lo que es lo mismo, quién sabe. La verdad de todo es que lleva un ritmo y una cadencia muy peculiar. Sinceramente cuando lo escuché las primeras veces supe que esto no era común. El sonido, ambiente y texturas ya es bastante especial, pero ese ritmo fue lo que mas me llamaba la atención. No cualquier canción lo logra en ese sentido. La voz termina pronto y deja espacio para un instrumental que va del 16:45 al 19:22. Créanme señores, esto es magia. Una vez que termina la voz sólo queda ese ritmo creado por la batería, guitarra y órgano muy entretenido. Se le une desde el inicio un órgano melódico de un tono muy curioso, ingenioso y juguetón. Todo esto dura sin permitirse en un solo segundo caer en la monotonía hasta el minuto 18:27. Si aún no entienden a qué me refiero con “energía implícita”, escuchen ese momento. Ese es Genesis¡¡.

   Ya se lo que piensan. Estoy hablando de un instrumental de 2:37 minutos. Pero sabían que el espacio instrumental mas interesante y creativo de “Close to the edge” dura apenas 1:40 y tarda 38 segundos en entrar en su parte mas original y creativa?. Y aún así no veo a nadie hablando de “Apocalypse in 9/8” durante párrafos completos en 240 oportunidades como sucede con la canción de Yes. Ahora, eso es un instrumental apenas. Tendrían que escuchar todo “Supper´s” completo para darse cuenta del concepto completo. Es en definitiva una verdadera joya. Y aquí no estoy haciendo ningún alarde sobre mis gustos. “Supper´s ready” es una obra consagrada en el escenario de la historia del Rock, progresivo, clásico, y lo que gusten y manden. Este álbum en general, es una referencia obvia y descontada cuando de maestros del progresivo se trata. Podrá no estar mejor ranqueado algunos días que “Dark side of the moon”, “In the court” , “Wish you were here” y “Close to the edge”. Pero ninguno de esos contiene tanta creatividad, originalidad e ingenio como Foxtrot. Pero bueno, ni aún entre las opiniones de los fanáticos de progresivo se hace justicia. “Darwin” e “Io sono nato libero” de Banco están en el lugar 84 y 85 en prog archives mientras veo “Mirage”, “Moonmadness” y “Snow goose” de Camel en el 16, 17 y 18 ¡¡¡. Eso se llama efecto POP dentro del progresivo.  Por cierto, les he dicho que me resulta fastidioso mencionar las palabras “Rock progresivo”?. No sólo me hace sentir pretencioso, también me resulta absurdo todo el criterio que los aficionados adquieren a partir de las propuestas del género.

  Cada segundo de este álbum denota una calidad en la escritura y una creatividad de proporciones rara vez igualadas. Genesis estaba llegando a la cima de su mayor activo, el ingenio e inventiva para componer. ...Bueno, basta de flores. Que baste con decir que en progarchives, la biblia absoluta del rock progresivo donde diariamente participan pasiva o activamente, cientos de fans del prog., este álbum siempre está entre los primeros 10 álbumes del género. Por debajo, es decir peor ranqueado que otros muy inferiores como “In the court of the crimson king” y “Fragile”, no se porqué. El primero siempre lo ostenta “Close to the edge” aún con sus 3 ideas musicales por canción. En fín, Nursery crime a pesar de haber sido escrito por jovencitos de 21 años es uno de los 10 discos mejor reconocidos del presumiblemente mas virtuoso, género de rock.

“The musical box” es una canción que bien podría representar las mas importantes y atractivas cualidades del rock progresivo, presentadas además en su mejor forma; Una estructura compleja, bien armada y justificada. Buenas letras, coloridos sonidos, atmósferas sugestivas y contrastantes. Excelente y compleja instrumentación.

Esta canción vacila entre espacios suaves, a veces hasta minimalistas y espacios llenos de vigor, agresividad y fastuosidad. Ambas escenas, las suaves y tranquilas como las instrumentales vigorosas gozan de una cualidad común, la originalidad y poder de fascinación. Nunca durante sus 11 minutos parece perder dirección. Al final, “Stairway to heaven” es a su lado....un buen intento. Esta canción es como lo que nunca hayan escuchado en su vida, Genesis en esta canción realmente creó música. Por música como esta entro a estaciones de radio de heavy metal para divertirme haciendo trizas grupillos con tres ideas en toda su discografía. Lo mismo haría con grupos como “CAN”, “Gialma”, “Magma”, “Osanna”, “Caravan” y si se descuida, hasta con “Focus”, del mismo progresivo, pero no hay nada mas aburrido que el progresivo malo. Bueno si, el metal malo.

Recordando mis críticas sobre Pink Floyd, me parece contrastante el aspecto creativo cuando vemos a un Nursery Crime al lado de Meddle del mismo año. Meddle es un álbum pretencioso y mas accesible (Aunque usted no lo crea). Sin embargo Nursery crime contiene no menos de 40 ideas musicales mas que Meddle. Tal vez el intermedio de solamente “The return of the giant hogweed” contenga mas creatividad que todo Atom heart mother. Nursery crime hace ver cualquier cosa de Led Zepellin, raquítico. Está bien, concedo una cosa, no es lo máximo pero es ridículo que tanta gente pase de largo sobre este álbum. Si hay algo que he descubierto sobre la música, es que las opiniones se convierten en dogmas. Es un dogma que “The dark side of the moon” es el disco mas representativo del rock progresivo, y como dije en mi crítica; Difícilmente encuentro rock en todo el álbum. Y progresivo?, menos ¡¡. Es un dogma que Genesis es una gran banda, pero lo fue con “Selling England” y “The lamb”, pero nadie parece reconocer que eran la punta de lanza desde el mismo “Nursery”. Es un dogma que Crimson es tal vez la banda mas representativa del progresivo, pero todos parecen ignorar que llenó gran parte de sus álbumes con pedazos de basura sin música (Moonchild y Cirkus por poner un ejemplo). Los dogmas son canceres difíciles de exterminar. Limitan el juicio y el gusto.

“The musical box” empieza con una sección suave, de extremada pasividad, casi como un cuento de cuna. Esta sección es integrada por la clásica guitarra ambientalista de Hacket y la voz de Gabriel. Ambos en congruente y atractiva armonía. Aquellos que se autodenominan fanáticos del heavy metal, difícilmente lo apreciarán. De hecho difícilmente aprecian la abrumadora similitud de todas las canciones de aquel género. ....Durante el inicio de la canción, se va formando una expectativa, misma que es generosamente satisfecha desde el minuto cuatro cuando comienza un instrumental con un espíritu lleno de diversas emociones. Distingo mínimo las siguientes; Angustia, agresividad y rabia. Todas expuestas sobre un fondo lleno de notas, sonidos y tonos completos de energía implícita. Mas adelante se escucha de nuevo una sección vocal y con escasas notas para romper de nuevo con toda la capacidad de la banda a todo vapor. Sería interesante que pusieran atención a la batería de Collins en esta canción. Parece ser una batería rebelde y anárquica pero hace perfecto sentido con el resto de los instrumentos. Durante este segundo instrumental hacen gala de interesantes cambios de intensidad. La sección final de la canción es quizá la referencia mas obvia entre la producción de Genesis en sus primeros años. Se trata de aquella sección donde Gabriel aparece gritando “Why don´t you touch me, now now now now now??¡¡¡”. Sobra decir que siendo Peter Gabriel el vocalista con mayores aptitudes teatrales e interpretativas del rock de los 70´s y hasta la fecha, esta sección desborda torrentes de convicción.

La segunda canción del disco se llama “For absent friends”. Es de hecho la primera grabación de Collins como voz principal. Es una melodía suave y tierna. La voz de Collins resulta ser adecuada al 100%. Los instrumentos del fondo, las guitarras “ambientalistas”de Hacket y Rutherford son tocadas al mejor de los estilos de la banda. Y definitivamente, de una manera mucho mas atractiva de lo que cualquiera haya intentado dentro del progresivo.

“The return of the giant hogweed” es una de mis canciones favoritas. Ésta, al igual que “The musical box” recomiendo se escuchen en su versión en vivo del ´73. No tienen mas notas que las originales, ni están mejor tocadas. Simplemente están tocadas con mas energía y fuerza. Esas versiones logran capturar esa energía implícita insuperable con la que Genesis generaba música. “The return...” es una canción bizarra de principio a fin. Probablemente “The musical box” sea accesible para muchos gustos, sin embargo esta canción no es ningún hueso fácil de roer. Por sus sonidos, sus tonos, el estilo de Gabriel, el estilo de la guitarra. Por si fuera poco, está tocada sobre una estructura bastante compleja. Algo que me fascina de Genesis es que mientras la voz está presente, la música nunca es sólo un complemento y difícilmente cae en el convencionalismo. La música en sí parece estar contando su propio cuento también. Esta canción es un ejemplo perfecto, desde el órgano, la batería anárquica de Collins, el bajo y guitarra hacen todo un alarde de individualidad y al mismo tiempo, de coordinación entretenidos a todo lo largo y ancho. Peter Gabriel, en su papel de maestro sin rival en el plano de la interpretación no logra menos que mantenerte interesado por continuar escuchando. A partir del minuto 4:12 comienza uno de los instrumentales escritos y ejecutados con mas creatividad que haya escuchado en mi vida. No solamente está formado de al menos 4 pasajes diferentes, también la riqueza de tonos, cadencias y emociones es impresionante. Ese juego de órgano y guitarra que inicia en el 5:36 es de lo mas fascinante, interesante y entretenido con lo que me pueda topar. No sólo por lo que es, sino por como se va construyendo desde atrás. En este instrumental la ejecución individual y colectiva es plena y muy profesional. No será, como he dicho en ocasiones anteriores, de una manufactura monstruosa como la que desarrolla Yes, EL&P o Crimson, pero este despliegue de notas y la impresionante imaginación de su hechura no tiene rival y podría escucharlo con sensiblemente mas agrado que a los bombásticos instrumentales de aquellos mencionados. El instrumental del que hablo dura escasos 2:20 minutos y son oro puro, ni mas ni menos. Está fue una de las primeras canciones que escuché del Genesis de la generación de Gabriel. No es de sorprenderse que una vez que digerí el estilo, Genesis se consolidara como mi banda favorita absoluta.

“Seven stones” es una de tantas y tantas canciones subvaluadas de Genesis. Es difícil no considerar “menos” a tantas canciones cuando hay muchas mas tan buenas. Si hay algo que caracteriza esta canción, son sus tonalidades y texturas. Cuenta con melodías de una belleza cautivadora. Al mismo tiempo, presenta una imaginación y una tendencia en su estructura que sólo Genesis logra, y otros también, en su momento de mayor inspiración. Escuchen por ejemplo el minuto 4:00. Pónganlo en cualquier disco de Banco del Mutuo Soccorso y se convierte en un espacio de brillo. Y es sólo un ligero toque musical. Y miren que tengo a Banco en el mejor de los conceptos. Escuchen el minuto 1:30 lleno de energía implícita y todos esos tonos tan peculiares. Al margen de todos los halagos a esta canción, esta viene siendo apenas complementaria en el álbum.

“Harold the barrel” es una canción ágil de principio a fin, de tono humorístico y de amplio desempeño teatral. Cuenta una historieta sobre Harold quien está a punto de lanzarse desde el techo de un edificio. A pesar de sólo durar 3 minutos, Genesis se las ingenia aún dentro de ese breve tiempo y a pesar de la naturaleza de la canción, para presentar una estructura colorida y variada. La música es ingeniosa y viva en todo momento. Las aptitudes interpretativas de Gabriel están en su esplendor total en esta canción, quien simula la voz de al menos 4 personajes o mas.

“Harlequín” es una melodía breve y llena de dulzura. Y lo digo sin prejuicios. Es una canción conmovedora y bella llena de sentimiento de paz y tranquilidad. Quisiera hacer un intermedio y aprovechar para contar algo muy personal. De todas maneras, nadie lee mis textos y no tengo patrocinadores que me dicten una línea o si?. Ja.¡. El pasado 10 de Agosto de 2005 nació mi primogénita. Es una chiquita que de inmediato se robó el corazón de todos a su alrededor y que se ha convertido en el amor absoluto para mi mujer y para mí. Hace falta ser padre para entender a los de uno. Siento por mi hija que no existe cosa que no haría por ella o que no le daría. Su salud, tranquilidad y paz son lo mas importante en mi vida y estoy enloquecidamente fascinado y enamorado por y de ella. Es apenas una bebita cada día mas fuerte y cachetona que es dueña de todo mi amor incondicional. Le hemos tomado una infinidad de fotos y con las primeras hice un video con un programita que trae mi cámara. Al toparme con “Harlequín” no tuve necesidad de buscar mas fondos sonoros para el video. Cada vez que lo veía ya integrado, las fotos de mi bebita y la canción casi me sacaban lágrimas de emoción. Eso les da una idea?.

“The fountain of salmacis” es el cierre y es otra carta fuerte de “Nursery”. Es tal vez mas bizarra aún que “The return of the giant hogweed”. Es bizarra de nuevo por los tonos, sonidos y el estilo en si. La cadencia de las melodías y los cortes instrumentales. A pesar de no tener un intermedio instrumental definido, si tiene a lo largo de toda la canción un juego instrumental que de nuevo presenta una independencia de la voz y una creatividad superlativa. He escuchado mucha música, entre esta, mucho progresivo. Realmente me he vuelto exigente, al grado de que aún estoy buscando la gracia en bandas como “Caravan”, "The flower kings" y otros igualmente consagrados. Cuando digo en este momento que “The fountain of salmacis” es una canción de una originalidad sin precedentes, lo digo con plena conciencia.

YES (Segunda parte)

 En la primera parte de YES comencé por escribir sobre el primer álbum.

  Dentro del mismo primer álbum, la tercera canción es “Yesterday and today”. Es una breve y sencilla balada acompañada de un piano y la voz de Jon Anderson. Es una melodía de gusto universal, bella y tranquilizadora, llena de energía implícita por la convicción que muestra y la pasión que demuestra justo en la medida perfecta. Es tal vez un poco sobrada en tiempo. Unos cuantos segundos menos y sería perfecta, para dejar el sabor de boca justo.

   La siguiente es “Looking around”, que es de un tono ligero. Es fresca y animada guiada por un órgano de tonos muy setenteros y fascinantes. Tiene por ahí algunos detalles musicales curiosos pero el fuerte de la canción es la tonada en general y la cadencia. Si algo logra esta canción es levantar el ánimo y el buen humor. Tal vez le sobra medio minuto para tener la medida exacta. Nunca creí preocuparme por el tiempo de las canciones. Sin embargo ahora si pienso que sobre todo en la música Pop el “timing” de las emociones debe ser preciso. Ni mas ni menos, se trata de conservar el sabor. Por ejemplo, no se me ocurre que “Broken wings” de Mr. Mister necesite tener un instrumental mas elaborado en el centro o que repitan el coro tres veces mas al final. Así como está logra cohesionar a la perfección su esencia.

 “Harold land”  tiene unas vocales fantásticas, no sólo el tono que usa Anderson es cautivante, también capta la atención y el interés por seguir escuchando. Cuando entran coros adicionales se logra un ambiente armónico excelso de verdad.  Es una canción de corte un tanto alegre, pero al mismo tiempo logra matices de sensaciones de angustia. O bueno, en este sentido no lo sé. Cómo dije antes, nunca me interesan las letras y no pienso buscar estas ahora.  La parte del minuto 3:50 es excepcional, donde logran melodías tanto vocales como instrumentales de un tinte agradable y bello como pocas cosas. Siento que tiene secciones donde parecen perder dirección. La verdad es que al final la sensación que deja es de que la canción está llena de melodías muy bien logradas y llamativas pero también de que no lograron concretar unas con otras adecuadamente.

En fin, escúchenla, es la mejor manera de saber a que me refiero. Tal vez en este momento estoy susceptible porque acabo de escribir acerca del nacimiento de mi bebita Liliana, y primogénita a la vez.

  “Every little thing” es un cover del original de los Beatles. Sinceramente he escuchado tanto esta canción que ya no recuerdo bien la original. Al margen de que este sea un cover, no deja de ser una grabación fascinante. Tal cual, es una canción divertida, de una frescura absoluta, entretenida y pegajosa como nada. Sobra decir que está atiborrada de energía implícita. Es una canción pop, la original nunca dejará de serlo, pero Yes en esta oportunidad aprovechó para integrar elementos de Jazz y lo logra de maravilla.

  Comienza con un instrumental de una manufactura excelsa. Tiene un tono un tanto impredecible y poco estructurado pero definitivamente llama la atención. Después de dos minutos comienza la canción en si. Sólo puedo decir que de principio a fin es contagiosa y son 5:45 minutos de concentración de vitamina emocional en bruto. Cada vez que cantan “Every little thing she does”, las vocales y la batería del fondo no podían tener una mejor cohesión. ....Cierto, es un poco reiterativa pero cuando las melodías son tan buenas como estas no te importa que duren todo el día, una y otra vez. En una ocasión la traía a buen volumen en mi coche, dos carros delante de mi había un Turibus, un camión de turistas en la Ciudad de México (Irónico por naturaleza, claro). Tres personas de la parte trasera voltearon para aplaudir hacia mi contagiados por el ritmo. Esta canción de verdad logra prender los ánimos.

  Recuerdan que al hablar de la energía implícita también dije que la energía implícita se podía presentar en cualquier tipo de canción?. Puede presentarse en un rock and roll frenético como “Jenny” de Little Richard...O es de Chuck Berry?, en un “Rock around the clock”, así como en una balada como “Sweetness”, de.....YES ¡¡. Esta canción contiene toda la pasión y convicción que necesita una canción balada hermosa. Eso es, y sonará cursi, pero de verdad esta es una canción hermosa, bella, cautivante y no hay una sola nota o tono en ella que desmerezca toda mi atención y mejor consideración. Esta canción nunca trataría de describirla, se tiene que escuchar.

  "Forse le lucciole non si amano piu" de Locanda delle fate ...Quéeee ¿?¡¡!!. Si así se llaman un álbum y la banda respectivamente.

  No es mi culpa que el álbum "Forse le lucciole non si amano piu" (En lo sucesivo "Forse") de Locanda delle fate (En lo sucesivo "Locanda") me haya sorprendido de tal manera y que se llame así.

  Locanda es una banda Italiana cuyo primer álbum, "Forse" fue editado en 1977 . He leído excelentes críticas sobre ellos. Mas de alguno menciona que este es uno de sus tres álbumes favoritos de entre los progresivos Italianos. Entre esos favoritos son comunes "Inferno" de Metamorfosi, "Zarathustra" de Museo Rosenbach, "Io sono nato libero" de Banco del mutuo soccorso y "Storia di un minuto" de P.F.M.

   No sé hasta qué grado el público tiene a este álbum en tan buen concepto por la música en sí, y hasta qué grado por sus emociones. Yo hago una crítica de ellos porque la segunda canción del álbum que lleva el mismo nombre me tiene fascinado, pero creo fielmente que la música y todo lo que compone este álbum es también de gran calidad. No es difícil por lo tanto, considerarlo como uno de los mejores de entre el escenario del progresivo Italiano. Es entretenido, es muy agradable, es muy sugestivo, contiene arreglos y composiciones muy bien armadas y una mezcla de pasajes de diversos tonos y emociones muy bien instrumentados.

  Algo que encuentro de particular atractivo en este álbum es que no suena "añejado". No porque ese estilo rústico sea malo. Como ejemplo; Premiatta, Jethro Tull, Atom H.M., Los primeros de Genesis, Banco,..... Etc. Me refiero a ese estilo y sonido rasposo, áspero, oscuro en ocasiones, robusto, de tono muchas veces hostil. "Watcher of the skies", "Aqualung", y casi cualquier cosa de Van Der Graaf son ejemplos excelentes de ese sonido al que me refiero. En contraste, "Forse" suena fresco, libre, ventilado, limpio, alegre, gracioso, refrescante, relajante. Disculpen el excesivo uso de calificativos metafóricos, sólo quiero reflejar mis impresiones.

  Las características descritas arriba provocan la impresión sobre este álbum, de haber sido grabado por lo menos 10 años adelante de su fecha de edición. Otra cualidad que me gusta de este álbum es la limpieza de la instrumentación. La batería, flautas, piano, bajo, etc suenan siempre en su lugar, nunca se "barren" y suenan precisos y bien definidos. Claro, es sólo su estilo, dentro de su estilo me gusta mucho. No sólo eso, este disco está lleno de energía implícita.

   De las canciones en sí no pienso explayarme demasiado. Hablaré de los dos primeros tracks, y del resto y en conjunto sólo puedo decir que se puede escuchar de principio a fin sin deseos de cambiar el disco. Es decir, esa sensación que tiene uno con Black Sabath después del track 5 de cualquiera de sus álbumes, no se hace presente con "Forse". Este álbum tiene bastante mas gracia, variantes e imaginación que inclusive varios álbumes (por no decir que cualquier álbum) de Cepillín. Digo ¡....Zeppelin y Purple. La lista podría ser muy extensa pero no estoy en "ese tipo" de humor, hoy.

  Las dos primeras canciones del álbum y gran parte de la última son muy atractivas, destacando considerablemente la segunda, son muy buenas. Sinceramente no considero que el resto del álbum alcance el nivel de un "Inferno". Definitivamente no tiene esa calidad en la composición ni ese poder de fascinación, tampoco tiene el nivel en conjunto de un "Foxtrot", pero que si quede claro que este álbum es de un atractivo especial.

   La primera de nombre "A volte un istante di quiete" empieza con una integración de piano de tonos muy clásicos, una batería contundente y guitarra muy bien desarrollado y armado. De pronto cae en un ligero bache de monotonía, muy breve antes de la participación de un teclado de un tono super acertado. Entonces, y de manera muy gustable (si es una palabra) cambia a un pasaje de tonos suaves y delicados. Todo eso antes del minuto 2:19. Justo antes de que el pasaje se sienta forzado y aburrido hacen un quiebre con interesante presencia de todos los instrumentos adicionando unos teclados finos, de ahí en adelante todo es bueno. En cierta medida reiterativo pero bastante agradable.

   La segunda y motivación fundamental para escribir este texto, con el mismo título del álbum, es una canción en la que no encuentro un solo segundo falto de energía implícita, gracia y atractivo en sus casi 10 minutos. Este es progresivo en pleno y con una serie de detalles armónicos de la mejor talla. Comienza con un piano clásico y la voz, ambos muy sentidos al igual que la flauta y guitarra que les sigue después de unos segundos. Me fascina la manera en que esta canción va de un tono a otro con absoluta solvencia y atractivo, siempre bien nivelado en emociones y con respetable instrumentación. A pesar de que dura tanto como 10 minutos nunca parece decaer y es entretenida y hasta divertida como pocas, muy pocas cosas que haya escuchado en mi vida. La parte que inicia en el 3:32 es contrastante con todo lo demás hasta ese momento y ejemplifica mis argumentos. Es una sección de precipitado ritmo, abundantes sonidos y un teclado muy distintivo que interactúa de manera muy apretada con la batería. Dura hasta que regresan a una pequeña parte con voz melódica, misma que termina donde empieza otra con declarado tono mas agresivo y muy espontáneo. Ahora, si se trata de feeling, esa parte justo en el minuto 5:50 donde cortan de tajo el instrumental y entra otra voz diferente al vocalista principal, es la que deben escuchar. Ese preciso momento es emotivo a mas no poder. En gran medida por el tono de esa segunda voz. Tendrían que escuchar la canción mas de dos veces para captar ese detalle al grado en que me gusta a mi. La primera vez parece apenas un buen toque. El resto de la canción corre con fluidez y nunca deja de ser atractiva.

   El resto del álbum esta lleno de buenos detalles, siempre con instrumentación, arreglos y melodías variadas. Por cierto, no todo es puramente progresivo. Gran parte podría considerarse casi Pop. Sea lo que sea, es música de calidad y atractiva de PE a PA con incontables detalles musicales bien concretados.

   Dónde conseguir este disco: Amazon (35 Dlls. plus tax), copia de Tepito (30 pesos y un paseo en taxi de 24 hrs.),  o conmigo (las gracias y una chela)... jaja.

    Había inclusive escrito por ahí que no iban a encontrar opiniones mías sobre Camel en esta página. Creo que inclusive hice por ahí un comentario utilizándolos como recurso para hacer destacar a otra banda. Y la realidad es que los menosprecié durante 12 años, hasta hace una semana.

   Hago público mi agradecimiento a mi nuevo amigo Luis Alberto Monroy quien me obsequió mas o menos 7 gigas de puro rock progresivo que yo no tenía. Todo Marillion, todo Banco, todo Premiatta, todo Focus, varios álbumes mas y entre ellos, todo Camel. Considero de su parte un gesto muy generoso ya que la mayoría solemos ser un poco celosos de nuestra música.

   A partir de que comencé este espacio, que cada día menos gente visita, empecé también a leer opiniones sobre diferentes bandas que no conocía o que bien, no había tomado en consideración. Uno de ellos fue Camel. Una vez que mas de dos personas te dicen que una banda es buena y que debías escuchar uno y otro disco, siempre te contagias de interés. Entonces agarré mi copia de “Mirage” y la escuché con atención, y ....... sorpresa ¡¡¡.

   La primera vez que escuché Camel fue entre el 92 y 93, al mismo tiempo y en el mismo periodo de 4 meses en que conocí de un jalón todos los álbumes clásicos (y mejores) de king Crimson, Yes, Gentle Giant, Van Der Graaf, Genesis, Pink Floyd, EL&P y Jethro Tull. Cuando puse en la tornamesa el vinil de “Snow goose” de Camel no pude evitar pensar que Camel era una banda con música mediocre y muy por debajo del nivel de los antes mencionados. En sentido estricto, Camel no está al nivel de esos ocho, pero de ninguna manera hicieron música mediocre, pero eso lo descubriría hasta hace muy poco.

  Tampoco se me puede juzgar por haber menospreciado a Camel en ese momento. Qué se podía esperar después de 3 meses de conocer y escuchar todo el día “In the court ...”, “Tarkus”, “World record”, “Foxtrot”, “Aquiring the taste”, “Wish you were here”, “Fragil” y “Thick as a brick” entre muchos mas de ese nivel?. Cuando terminé con la tercera canción del disco de Camel pensé que esto era progresivo de elevador, progresivo de Vips o progresivo para sala de espera. Después conseguí de segunda mano el “Camel the collection”, y esperando que el escuchar algo mas variado de ellos me hiciera cambiar de opinión, sólo conseguí que no quisiera volver a saber de ellos. Ese disco se llenó del polvo de años enteros junto con varios discos piratas de Pop fritanguero de mi mujer.

   Al menos no agarré a Camel como ejemplo cotidiano para hacer comparaciones entre bandas mejores o como ejemplo de banda mediocre. De hecho creo que ni me acordaba de ellos. Siempre pensé que si había progresivo malo, Camel lo encabezaba. Hoy sigo pensando que existe mucho progresivo malo, horrible y patético, pero el de Camel no es de ese. Es mas, la música de Camel me resulta muy entretenida, agradable, colorida y en repetidas ocasiones, muy interesante. Nunca pensé que llegaría a decirlo, pero Camel me gusta, y me gusta bien.

  Ahora sé que es lo que no me gustaba de Camel. En ese momento y en el caso de “Snow goose”, fue ese tono un tanto infantil de las canciones en general, el sonido en general de la banda y esas frecuentes notas un tanto simplistas y ...mh, aniñadas. Tal vez incluso hasta el nombre de los hermanos Latimer. Inclusive el título de varias canciones de este álbum, como la reiteración en el tal Rhayder, “Rhayder va al pueblo”, “migration”, “Rhayder alone”. Me sonaba a “Encuentra a willy”, o “Rhayder comiendo helado”, “Rhayder haciendo compras en el super”. Dicen que las primeras impresiones son las mas importantes no?. Pues esa fue la mía, y en un periodo de tiempo en el que conocía una banda tras otra buscando nuevas sorpresas, iba a ser difícil que le diera mas oportunidades a los sonidos suaves, ligeros, poco agresivos de Camel. Debo agregar en ese renglón; pero entretenidos y creativos sonidos de Camel.   Y miren que en este momento estoy escuchando exactamente ese mismo álbum y mi percepción es otra totalmente. Siguen ahí esos soniditos un tanto chuscos inclusive, esos tonos infantiloides y demás pero ahora me resultan divertidos. Además, en el progresivo no te puedes quejar de los tonos seleccionados. Después de aprender a digerir los abundantes tonos “generadores de pena ajena” de Emerson L&P, no se puede uno poner exigente con los tonos chistositos de un inocente Camel.

  La música de Camel no es potente como la de un Yes en “Heart of the sunrise”, o la de Crimson en “Fracture”. No es tan colorida como Genesis en “The return of the giant hogweed”. Sus composiciones no son tan complejas ni inspiradas como “Supper´s ready”, ni sus instrumentaciones tan apasionantes e interesantes como “Tarkus”. Tampoco tiene ese sentimiento desbordante de Pink Floyd en “Shine”. Pero definitivamente si tiene una combinación de cada una de esas cualidades, en cierta medida claro y el resultado es, reitero, música agradable, entretenida y bien lograda. Sobre todo fiel y con convicción a su estilo. Son en su música cotidianos los espacios simplistas, los tonos de ciertos instrumentos un tanto insípidos, los arreglos sencillos y demás. Pero siempre mas adelante o detrás hay partes donde suenan muy inspirados y generan interés. Incluso esas partes poco desarrolladas resultan buen complemento para la canción en conjunto.

   Un ejemplo. El disco de Camel que primero me hizo cambiar de parecer fue “Mirage”. Hace 11 años o 12, la canción de “Freefall” la habría odiado por el tono y sonsonete de la voz en esos primeros momentos, hoy se me hace acertado. Habría ignorado por esa simple razón el bien logrado, entretenido y colorido instrumental del minuto 2:05. En caso de haberme gustado el instrumental, me habría fastidiado el cambio de melodía y peor con el tono del teclado del minuto 3:26. Hoy ese cambio y el tono del teclado me parece buen detalle, ingenioso y creo que denota calidad de composición por la variedad. Y es divertida y entretenida como pocas cosas que haya conocido últimamente ¡¡¡. No de eso se trata la música??.  Llámese Progresivo, o Pop, o Ranchera, o Techno para bailar. A qué sensato fan de progresivo se le antoja mas “Dopo...niente e´piu lo stesso” de Banco en una cantina, que una Ranchera de Aceves Mejía??. O qué fan de progresivo preferiría ponerse a bailar en un antro, “Superuommo” de Museo Rosenbach, en vez de  “Something” de Lasgo (Pop Techno)?. ....Bueno, ya jarra hasta yo, la neta.

  Otro ejemplo, en “Supertwuister” de Mirage, la flauta del inicio me suena simple, aniñada, y boba. Pero no toda la canción lleva esa línea, eventualmente tiene un cambio de tono muy atractivo, al final esos mismos tonos de la flauta resultan ser la clave de la diversidad y atractivo de la canción. Me explico?.

Genesis (Cuarta parte).

   Cada que escucho este álbum de trespass, no dejo de lamentar la presencia de ese baterista tan mediocre. Este baterista no era tan malo cuando NO tenía que tocar las partes de ritmo ágil, inclusive cuando tenía que tocar secciones donde la idea fuera la de crear atmósferas, llegaba a tener ideas muy acertadas. Cuando se le requería de tocar mas rápido no tenía mas talento que un baterista de banda grupera mexicana. Sin embargo, pronto ese detalle queda de lado cuando me brinca sobre la cara la abrumadora cantidad de imágenes e ideas de las que este álbum está compuesto. En “Looking for someone” hacen uso de al menos 7 pasajes diferentes en sólo 7 minutos. Tiene tantas melodías vocales e instrumentales como una canción de 20 minutos y ninguna de ellas parece forzada o falta de emotividad o convicción. Al contrario. Dentro de su perfil melancólico en esta canción, Genesis logra transmitir las sensaciones deseadas a plenitud.

  Lo voy a escribir antes de que se me olvide. Este álbum tiene mas calidad en la composición, por mucho, que el proclamado y ovacionado “In the court of the crimson king”. No tendrá en ningún espacio la calidad de ejecución de “21st century schizoid man”, pero tiene una imaginación y creatividad que desborda por torrentes al álbum en mención, aún con todo y su fantástico instrumental de vivos, hambrientos y abundantes sonidos de “Moonchild”, y miren que estoy al borde de una afirmación exageradamente aventurada con esto último. Diría que tiene mas calidad en el plano de la composición que “Atom heart mother” pero ya sería una burla descarada y mordaz, aparte no hay nada mas representativo entre el ´69 y ´70 que el primero de Crimson.

  Algo que he leído en mas de una ocasión sobre Genesis y sus orígenes, es que la idea de Banks y Rutherford era inicialmente trabajar como compositores para otras bandas, no como interpretes. Además, consideraron que el proceso para hacer música debía siempre comenzar con la composición de cada canción. Es decir, escribir la canción nota por nota antes de comenzar a tocarla. A diferencia del método socorrido por muchas bandas que consiste en producir música “de la nada” a partir de intentar sonidos aquí y allá hasta que va tomando cuerpo, en otras palabras, improvisación. Por eso muchas canciones parecen no tener dirección o terminan pareciendo forzadas o simplemente parecen no tener sus emociones bien concretadas, sin convicción. Aún cuando la instrumentación sea espléndida, un instrumental puede fácilmente caer en la injustificación.

  Trespass, es aquel con una portada azul donde un cuchillo parece cortar el fondo donde una pareja se asoma por una ventana siendo vista por un angelito que hace a un lado la cortina que los divide. Está en mis imágenes. Comienza con una canción sorprendentemente compuesta.

  Quiero hacer aquí un paréntesis; La apreciación por la música como por cualquier arte, depende de la percepción de cada individuo. Inclusive los mismos hechos de la vida son percibidos de manera diferente por cada parte involucrada. Esto, bueno, no es mi verdad absoluta están de acuerdo?. El punto es que considero que este álbum es percibido por una gran proporción de personas como un álbum poco significativo, cuando en el fondo y con muchos argumentos es un álbum muy completo y bien desarrollado.

  Algo que no he hecho hasta el momento en mis revisiones, es describir el sonido de cada disco. La idea es que uno de dos, consigan el disco o si ya lo conocen, lo recuerden o lo pongan. En esta ocasión es propio comentar que el sonido de Trespass da la impresión de la época medieval, empezando con la portada.

  “Looking for someone” tiene una serie de tonalidades muy variada. Desde el principio se balancea con movimientos sutiles pero hace breves y espontáneos quiebres bombásticos. A mi parecer, ninguno de los cambios suena premeditado o forzado. Todas las cadencias durante la canción suenan naturales y fluyen de manera ágil y entretenida. Cuando después de las partes acentuadas regresan a los tonos suaves y minimalistas, lo hacen de manera muy natural. Las partes minimalistas por cierto cuentan con un juego de guitarras con tonos clásicos y un bajo que logra ser simple pero muy bien logrado, lleno de feeling. Algo que me gusta en esta canción, y que expone el hecho de que Genesis siempre escribía sus canciones antes de tocarlas, es que a pesar de la diversidad de temas compuestos en sus 7 minutos, ninguna sección parece voluntariamente integrada. Es decir, la canción fluye entre melodía y melodía y estados de ánimo y entre diferentes ambientes de forma ágil, sin lesiones para el escucha. A partir del minuto 2:50 hacen gala de su capacidad para la composición con un instrumental que dura por el resto de la canción con unas breves frases de Gabriel. Son 3:17 minutos que se van como el agua, sin una sola nota fuera de tono y/o lugar, entretenidos en cada segundo. El uso de cuerdas y de los teclados encaja perfectamente con la intención y el sentimiento deseado de cada tema.

  “White mountain” es una especie de cuento que toma lugar en una montaña blanca y donde el protagonista el un lobo llamado “Fang”. Ese no es el punto de todas maneras. Lo interesante es la sensación que logra la canción de precisamente estar contando un cuento. Dividido en pequeñas y sutiles secciones diferenciados igualmente por tonos y estados de ánimo variados. La canción comienza con un juego de cuerdas entre Rutherford y Anthony Phillips en el estilo que mas adelante predominaría en álbumes como “Nursery” y “foxtrot” ya con Steve Hackett. Pronto, en el minuto 1:15 las cuerdas son acompañadas de un órgano de notas simplistas pero con un tono y una melodía que hacen aún mas entretenido el inicio.

  Creo sinceramente que esta canción no está tan enriquecida de habilidades de composición como “looking for someone”. Podría decir que llega a caer en la monotonía en ciertas secciones. No en cada sección de manera individual sino cuando se compara una con otra. Sin embargo, escuchada como un todo ese detalle no es tan evidente gracias a recursos que le dan diversidad a la composición, como aquellos en los minutos 2:08 y 3:43 donde los tonos se tornas mas obscuros acentuando el mensaje de la canción también. O la parte final que en un plano mas ambientalista que musical, termina por darle perfil diferente a la sensación final de la canción. Pienso que esta canción suena un poco forzada. Tal vez el hecho de querer mantener el concepto de “cuento” en esta canción, limitó sus intenciones de interiorizar mas en la inventiva. Finalmente da la impresión de ser una canción gris en cierta medida y de poco contenido emocional.

  “Visions of angels” suena bastante mas natural y creo que los tonos que eligió Gabriel en su voz para esta canción, son de gran ayuda. Algo que no ayuda en nada es la batería de Mayhew que en cada participación desparrama sus batacazos monótonos e insípidos por todo lo largo y ancho. Por su presencia en casos como este, es que lamento que Collins no haya llegado antes a la banda. Al igual que las anteriores, esta canción está desarrollada en base a un juego melódico entre espacios ligeros y otros bastante mas generosos de sonidos. En ambos casos las cuerdas en un carácter mas ambientalista que melódico, junto con los curiosos tonos del órgano, le dan cuerpo a la instrumentación. Hay dos breves instrumentales, el primero entre el 2:20 y el 4:00 y el segundo del 5:43 hasta el final (6:54). Ambos un tanto similares pero bastante sugestivos también.

  “Stagnation” es la canción mas larga del álbum. Al igual que las anteriores, basa mucho de su sonido en el uso de cuerdas “ambientalistas” y el órgano, éste si de forma mas melódica. El inicio es pasivo y minimalista pero nunca deja de ser entretenido y justificado. Las vocales de Gabriel tienen todo el feeling que necesitaba tener esta sección. Al minuto tres, el bajo y la batería hacen una labor espléndida para fortalecer el tono del instrumental. Y el teclado que los acompaña no podía ser mas acertado. La parte inmediata donde cortan el instrumental para que entre la voz de Gabriel en un fondo ligero no desmerece nada, ni se siente forzado, es un contraste excelentemente mostrado. Creo que la canción pudo bien haber terminado por el minuto 6 en ese tono suave pero lo mostrado en su lugar, es un intercambio de tonos altos y bajos donde Gabriel aporta vocales muy convincentes.

   “Dusk” es una de las canciones mas sentidas y emocionales de Genesis, esto en su perfil de baladistas. Las cuerdas lo hacen casi todo aquí y definitivamente la voz de Peter Gabriel complementa la sensación de paz a la perfección de la canción. También aporta notas con su flauta con melodías memorables. Además hay una buena sorpresa, aquí no hay una sola nota de batería de Mayhew.

   Genesis era una pequeña banda en 1969. Extrajo su nombre de lo que sería su primer disco: “From Genesis to revelation”, que no tuvo ningún éxito y prácticamente ninguna distribución. El título sugería que se trataba de una edición de música cristiana. Dicen que incluso en las tiendas ponían este álbum en la sección precisamente de tal música. Así que no se vendió ninguno. En ese año sus integrantes tenían apenas unos 19 años y no deja de sorprenderme lo que llegarían a hacer apenas 2 años después. Peter Gabriel sin duda fue el mas destacado a través de los años y junto con Anthony Banks y Mike Rutherford principalmente, crearon lo que sería la banda de Rock progresivo con mayores aptitudes en el plano de la composición.

   Genesis una vez que se integró Phil Collins y Steve Hackett en 1971, se convirtió en una de las bandas de mayor referencia del Rock progresivo. No podría decir nunca que era el mejor, ya que en ese sentido habría que hacer una serie de ponderaciones muy amplia. Si me atrevo a decir que Genesis fue el mejor dentro de los progresivos en el plano de la creatividad. Por la diversidad de estilos que llegarían a presentar, por la infinidad de melodías y sonidos de cada álbum que escribieron. Y por el feeling de cada una de sus canciones, por esa frescura que siempre los ha caracterizado. Considero que Phil Collins fue uno de los 3 mejores bateristas del progresivo clásico Inglés, Steve Hacket era tal vez el mejor guitarrista de guitarra clásica y definitivamente el mejor como guitarrista clásico para componer fondos minimalistas. Peter Gabriel era el amo y señor de la interpretación y el aspecto teatral, sus letras son consideradas junto con las de Ian Anderson de Jethro Tull las mejores dentro del progresivo clásico. Mike Rutherford era un bajista estándar digamos, pero junto con Tony Banks escribieron gran parte de la música del Genesis clásico.

   A pesar de que la banda se comprendía de músicos destacados, Genesis no se caracterizaba por el virtuosismo técnico desplegado en sus canciones. Sin duda fueron muy competentes, y haré mención de una buena cantidad de canciones donde la ejecución es espectacular. Sin embargo, cuando de progresivo se trata, Yes, Crimson, Emerson Lake and Palmer o Gentle Giant se llevan las luces en el plano de ejecución técnica. Genesis no logró la precisión matemática de Yes en “Heart of the sunrise” o los primeros minutos de “Close to the edge” o el brutal desempeño instrumental de King Crimson en “21st Century” en las partes llamativas. Es mas, no creo que siquiera lo hayan intentado. Sin embargo, cuando escucho Genesis tampoco extraño las ejecuciones monstruosas como esas, primero porque Genesis no era ninguna banda de tullidos y dos, porque la imaginación y vida de sus canciones supera por mucho la monotonía en estilo de Yes a lo largo de su carrera y mas aún a la de Crimson. Supera también el placer por escuchar arreglos y ejecuciones impresionantes de vez en cuando. Es mucho mas agradable y sugestiva que la de Emerson en promedio también. Sin menospreciar a ninguno por supuesto, además estoy comparando a puros maestros. Cada uno por separado le da 3 vueltas al simplón, reiterativo y sobrevaluado Zepellin o a los limitados instrumentalistas y escritores de Sabath. Vieron Superman Uno?, Genesis le daría las mismas vueltas a los payasos de feria de Kiss que las que Superman le dio a la tierra cuando revivió a Luisa Lane.

  Cada banda tenía su fuerte y su debilidad. Genesis tuvo varias inconsistencias también, como su fase Pop en los 80´s. Aunque en ese sentido, muchas bandas de su generación lo intentaron también pero no tuvieron éxito, otras ya ni seguían juntas, y otras como Crimson seguían tratando de hacer progresivo pero sólo lograron hacer un remix de sus viejos logros con sonidos ahora mas comerciales.

  Una de las virtudes de Genesis es la manera en que lograban darle vida a sus canciones, siempre se notaron llenas de intención, de espíritu, de energía implícita, de pasión. Las tonalidades y las texturas de muchas de sus canciones son cautivantes. Además, Genesis a diferencia de una enorme proporción de bandas, se reinventó al menos en 6 ocasiones durante su carrera. Y me refiero a que cambiaron no sólo de estilo, sino de sonido, concepto e incluso en la manera de instrumentalizar también a lo largo de sus diferentes álbumes. Basta escuchar su primer álbum y luego el que escribieron sólo un año después. O el impresionante cambio entre “foxtrot” del ´72 y “Selling England by the pound” del ´73. En contraste y para acentuar este comentario, escuchen el progresivo de Camel, o el de Eloy. Un progresivo plano, mecánico, insípido, y muchas veces ni siquiera técnicamente interesante.

    La producción de la primera época de Genesis, del ´70 al ´76 (6 álbumes) incluida la llamada “Gabriel Era” del ´70 al ´74 es considerada como lo mas excelso del progresivo clásico junto con la de otros no abundantes monstruos del Rock. Genesis es una referencia inmediata del género y su álbum “Selling England by the pound” es una verdadera joya. Está considerada en las páginas especializadas de progresivo como el mejor o segundo mejor álbum de progresivo de la historia, junto con “Close to the edge” de Yes.

   Si les parece, y después de la introducción mas amplia que se haya hecho sobre Genesis en una página de Internet, vamos a comenzar:

El segundo álbum, “El Diablito” se editó en 1990 y fue sin duda un salto vertical de buenas proporciones. La música en este álbum se siente mas hecha, con detalles técnicos mas desarrollados y el concepto sin duda tiene mas solidez en este álbum que en el anterior. La producción es mejor en resumidas cuentas. Incluso en varias ocasiones se aventuran a realizar instrumentales y lo logran con mucha solvencia. Todas y cada una de las canciones en este disco son compactas, bien logradas y estructuradas, sólidas. Difícilmente encontraría inconsistencias en este disco. Puede ser escuchado de principio a fin con absoluta sensación de satisfacción. Si te toco cuando tenías entre 14 y 18 años (cuando empiezas a escuchar música como parte de influencia en tu vida) este disco debe ser de tus favoritos, a menos que seas de esos que sistemáticamente despreciaban al Rock mexicano, aunque escucharas en ese tiempo a Vanilla Ice, MC Hammer, Michael Bolton, Gerardo y al General....no olvidemos esa joya de “Un kilo de cadera no es cadera”. O ya mas fino, si no bajabas del nivel de U2, Metallica, Nirvana, Quinsryche, Motley y Guns.

  Si había dudas de que Caifanes podía ser la mejor banda de Rock Mexicana con este álbum se terminaban. Los recursos expuestos en estas 11 canciones exhiben las ya evidentes limitaciones de las bandas de barriada como “la cuca”, “maldita vecindad” y el mismo Tri. En el caso de los afeminados de Fobia y otros igualmente comerciales, las diferencias con Caifanes, son abrumadoras.

   “Amárrate a una escoba y vuela” tiene unos tonos de la maquina de ritmos y del teclado de una sutileza sumamente envolvente. Saúl hace un espléndido trabajo con las vocales y la parte intermedia de guitarra afianza las moléculas para crear una pieza muy inspirada.

   “Antes de que nos olviden”. Esta es pasión y no pedazos ¡¡¡. Quién no la conoce y la aprecia?. Es un absoluto eclipse de emociones y nostalgia. Un himno del Rock en español. El inicio y la textura con la que entran al tema principal son contagiosos y emotivos. La parte que inicia en el minuto 2:56 está llena de energía implícita (leer sobre energía implícita en Yes parte uno).

“Aquí no pasa nada”, “De noche todos los gatos son pardos”, “detrás de ti”, “El elefante” y “El negro cósmico” tienen todas un ritmo fresco con atractivas melodías vocales y musicales que invitan a cantar o al menos a escuchar con buen ánimo. “Detrás de ti” es esa canción con la que jugábamos Mario Kart (El juego de video mas divertido de toda la historia) por horas completas hace unos 12 años, mi hermano, mi compadre Arturo y nuestro chamaquillo de indias, Karl.

“Los dioses ocultos” y “La célula que explota” no necesitan definición. Su tradición y pasión hablan por si mismas. Son dos clásicos del Rock Mexicano y no le piden nada al Argentino o Español.

“La vida no es eterna” tal vez sea la canción débil del álbum. Para mi gusto es un tanto monótona y el sentimiento está un poquito recargado.  Por su parte, “Sombras en tiempos perdidos” tiene un feeling muy particular y la batería en este caso y la guitarra durante toda la canción son espléndidos.

   Desprecié a esta banda por al menos 10 años desde que comencé a escuchar progresivo. El día que escuché Heart of the sunrise quedé impresionado por la maestría técnica de esta banda y me sentí un cretino, me sucedió lo mismo con Emerson Lake & Palmer. No tardé entonces en consumir sus primeros 8 álbumes como si fuera una necesidad fisiológica apremiante.

   Siempre había pensado que Yes era monótono y falto de emoción. Además sentía que los tonos del teclado eran excesivos y poco digeribles. No sé hasta qué grado me gusta Yes por el hecho de haber crecido o por el hecho de haber querido conocerlos. Hoy en día no creo que sean del todo monótonos, aunque algo hay de eso. Pero no puedo ignorar el hecho de que Yes sea tal vez la banda mas virtuosa técnicamente de entre todos los progresivos netos clásicos. Además, tiene canciones y melodías que adoro y me apasionan.

   Yes no tuvo siempre la mejor de las habilidades para hacer composiciones. Después de su tercer disco en adelante, el estilo, sonido y personalidad, no parece haber cambiado sustancialmente. Se caracterizaron por sus composiciones de enorme extensión, tienen al menos unas 7 canciones de mas de 17 minutos y varias mas de al menos 10. Todas tienen una gran inconsistencia. O quizá deba decir que todas son consistentes ya que no tienen una diversidad temática importante. Es decir, aunque eran canciones de 18 minutos todas consistían de si acaso unos 3 o 4 temas, como una canción pop; Desarrollo, coro o tema principal, algún intermedio, tema principal y conclusión. Obviamente no se le podría considerar pop, la instrumentación que Yes llegó a desplegar era de una complejidad impresionante, tanto individual como colectivamente. Howe, Squire, Wakeman y Bruford eran un guitarrista, bajista, tecladista y baterísta respectivamente que bien podrían considerarse entre los tres mejores de su instrumento en la escena del progresivo. Cada uno tenía un dominio absoluto y maduro desde sus primeros álbumes.  Sin embargo y a pesar de su capacidad técnica, nunca, salvo en sus inicios lograron crear una diversidad de estilos, temas y melodías vasta. No obstante lo anterior, las pocas ideas que formaban cada álbum hacían de estos, buenos y entretenidos discos. Inclusive “Close to the edge” es considerado en varios foros “el mejor álbum de progresivo”. Si Yes no lograba convencerte o entretenerte por una variada presentación de melodías, si lo lograba con la radiante y hambrienta instrumentación de muchas de sus composiciones. También llegan a ser frecuentes las fascinantes melodías baladas llenas de emotividad y pasión como la parte final de “Gates of delirium” o toda “Sweetness”. Como resumen de esta introducción, Yes fue una banda con buenas y atractivas, aunque no abundantes melodías, con un despliegue de calidad en arreglo y técnica individual superlativa.

   Para los que “Yes” no significa nada, acuérdense de su intento de pop comercialmente mas exitoso; “Owner of the lonely Heart”. Esos son. También son la banda mas subvaluada en México, pueden comprar prácticamente todos sus discos por 100 pesos cada uno en Mixup. Es una escena impactante, triste y surrealista la presentación en el mismo apartado los discos de Yes y los de Ramones.

   Yes lanzó su primer álbum en 1969, se llamó “YES”. Es un álbum de personalidad fresca y libre. Su sonido es grato de principio a fin y junto con los siguientes 3 álbumes hacen gala de la mayor capacidad de la banda por componer melodías. No porque fueran mejores que las escritas después, sino porque tenían mas. Tal vez la esencia del progresivo neto aún no estaba aquí, pero si se distinguen frecuentes momentos de alta calidad de ejecución y arreglo, y saben que es lo mejor?, que es entretenido de principio a fin. “Beyond and before” está repleta de melodías vocales ricas en melosidad y son pegajosas para cualquier gusto.

Ahora, “I see you” es un cover de los Byrds creo. Es irrelevante porque la única similitud es el coro. Esta versión me fascina. Entiéndase una cosa; No hay nada mejor en la música que lo que se hace con pasión, entrega y energía implícita. Puede ser en cualquier tono o ritmo, pero esos tres elementos deben estar presenten en una buena canción. Por decir algo, apenas escuché todo el álbum de Skid Row de “Slave to the Grind”. Se supone que es un ícono del Heavy Metal y no encontré una sola nota de pasión y energía auténtica en todo el disco. Es decir, esa energía fiel, sentida, original y natural ¡¡¡. Y ese disco de Skid Row es puro rock supuestamente enérgico, intenso y agresivo, pero en ningún instante logra palidecer los sentidos del cuerpo con alguna especie de pasión. Al final parece que escuché la misma canción 11 veces. El resultado es plano y monótono. La gracia de una guitarra o la batería no es que la hagan tronar insaciablemente como en el Heavy, o como en la basura del Trash o el speed metal, donde la agresividad se convierte en monotonía interminable y aburrida. La gracia de una guitarra que suene con vigor o la batería es que te arrebate la atención no por ser intensa, sino por la energía implícita, por la pasión, por el timing, por la rabia fiel desde la misma alma, que logre exponer e interpretar. Cualquiera puede tocar los instrumentos con fuerza, y para ejemplo párense en la sección de Heavy metal, todos tocan de principio a fin con un ímpetu y fiereza incansable. Pero tocarlos con energía convincente (energía implícita) no es para cualquiera. Alguien puede distinguir un solo sonido de Pantera o Sepultura que destaque por su energía implícita?, no es toda su discografía un derivado de una misma idea sorda, cuadrada y convencional dentro de su género?

   Regresando a “I see you”.  Esta canción tiene precisamente una energía implícita y una pasión en cada detalle como el que debía tener toda la música. No es el hecho de que tenga sus momentos vigorosos. Podría también ser una balada pero con energía implícita de balada. Los tonos y cada nota en esta canción tiene una intención que cumple con su propósito. No es una canción concreta y tiene incluso varias inconsistencias como el intermedio de jazz que resulta excesivamente largo debido a su nivel minimalista. Ahora, puede ser que inclusive a muchos no les guste por el tono infantiloide del coro de “I see yooouuuu, lara laaa lara laaa”. ...Pero algo si es cierto, esta canción mientras se lo propone tiene una energía muy especial. Tiene eventuales explosiones instrumentales que le dan una vida y provocan en el escucha una sensación de expectativa. Me refiero a esos quiebres, casi sutiles pero llenos de vida y convicción como el del minuto 1:10, 1:44 y 2:10 cuando cantan la frase “I love you.....”. Mientras, el trabajo de la batería, el bajo y el órgano es espléndido, llenos de vitalidad todos, y mas importante, de energía implícita. Al minuto tres empieza su única inconsistencia, el instrumental Jazz de poca hechura que dura 2 minutos. Corta la canción innecesariamente para mi gusto, sin embargo es la clave para acentuar aún más el increíble minuto de pasión, energía implícita, vitalidad, convicción y vigor que le sigue. Se trata de una serie de sonidos e intenciones concentrados en un minuto que hacen ver a los Metaleros de 3 pesos y toda su fiereza como si fueran unos instrumentalistas virtuosos pero tullidos de la pasión y amputados de convicción. Este despliegue de energía de Yes ...............Un segundo. Siento que estoy dedicando tanta descripción a una sola canción y a un pequeño espacio de música que cuando lo lescuchen van a pensar que estoy exagerando e incluso buscarán la manera de en su mente desprestigiar y menospreciar mi percepción. De una vez te digo que si eres del tipo de gente que entiende como pasión momentos como Kiss en “I wanna rock and roll all night, and party everyday” o Queen en “We will rock you” o que cosas como “YMCA” parecen para ti el mayor despliegue de energía posible, por favor cierra mi espacio. Aunque si brincas en el antro con los refritos de “Vaselina” y te pones a hacer la coreografía completita de Travolta lo mas probable es que no hayas leído ni el título de mi espacio.

  Lo que quiero decir y resaltar con esta última idea llena de sarcasmo, es que Yes en esta canción y en ese impresionante minuto de música realmente logró convencerme de una pasión profunda, fiel y llena de convicción, llámese energía implícita. No de esa pasión que involuntariamente nos hace brincar en el momento por nostalgia o por emoción comunal.

   Bueno, qué es?. Se presenta exactamente en el minuto 4:50 tras el intermedio de Jazz. No es precisamente un momento particularmente lleno de virtuosismo o de un arreglo de hechura impresionante. Lo que es impresionante es el alma que se nota pusieron en cada nota, sonido y tono. Comienza con una serie de violentos y bien definidos, limpios impactos de batería, órgano y guitarra al unísono. Son interrumpidos por la guitarra de Howe con notas descompuestas pero que logran su propósito de crear mas y mas tensión y expectativa en cada oportunidad. Entonces evolucionan en un desparrame de vísceras e instrumentación llena de rabia alegre, con toda la maestría de un entonces joven pero no menos virtuoso Yes. Hay incluso un quiebre de todavía mas vigor cuando parece que va a concluir donde la guitarra saca un tono que junto con la impecable manifestación de talento del fondo me saca lágrimas  de emoción, justo en el minuto 5:30. El cierre de la canción es el ya mencionado coro base de la canción.